Première constatation en forme de lapalissade: le dessin est (à) la base de la
bande dessinée. Seconde constatation en forme de corollaire paradoxal: depuis quelques années, le discours ambiant autour du 9e art évoque surtout sa propension à investir le terrain de la
politique, du social, du quotidien, du fait divers. C'est juste, mais, du coup, le crayon et celui qui le tient ont trop souvent été rangés dans leur boîte. Sans avoir la possibilité de
l'ouvrir.
Théoriser sur la forme n'a jamais été chose facile, tant le vocabulaire d'une
expression artistique, quelle qu'elle soit, s'enferme dans une spécificité dont on ne détient pas toujours les clefs. Il suffit pourtant de laisser parler ces fins limiers du trait pour se
rendre compte que le dessin est, comme tout autre médium, le fruit de la réflexion et du travail. Témoin cette rencontre entre Mathieu Lauffray et Juanjo Guarnido.
Le premier, un Parisien de 34 ans, ancien élève des Arts déco, est un
touche-à-tout: bédés (Prophet, aux Humanoïdes associés), affiches de cinéma (Le Pacte des loups), jeux vidéo (Khaos) . Le second, né à Grenade, en Espagne, en 1967, a
travaillé pour les studios français de Walt Disney et dessine avec succès la série Blacksad (Dargaud), dont le tome II, paru en 2004, a reçu le prix du Public au Festival d'Angoulême.
En prime, pour L'Express, chacun a croqué l'autre. Au crayon, s'entend.
Comment avez-vous perçu cette période
pendant laquelle le dessin devenait pratiquement le parent pauvre du 9e art ?
Mathieu Lauffray: Il est inconcevable de séparer le dessin de la dramaturgie. Mais il est vrai
que parler d'abord, ou exclusivement, du sujet est un signe de l'époque. C'est parfait pour l'ego d'un scénariste. Il ne faut cependant pas oublier qu'il est plus facile de bâtir une bédé
fondée sur un concept que de pousser l'art du dessin jusqu'à parvenir à réaliser un bouquet de fleurs à la Van Gogh. Ce travail formel exigeant peut rapidement être fatal et conduire droit dans
le mur.
Juanjo Guarnido: La bédé n'est, pour moi, qu'un ensemble intégrant différentes
composantes. A nous, scénariste et dessinateur, de trouver l'équilibre des éléments. Cela dit, Mathieu a raison: aujourd'hui, on pardonne davantage à une bédé au propos intéressant, mais mal
dessinée. Et moins à celle dont le trait est maîtrisé, mais qui s'exprime dans un registre peu valorisant, comme l'aventure, le polar, la SF... La consécration du fond m'agace quand elle se
fait au détriment du reste.
M. L.: Les mouvements artistiques, quels qu'ils soient, fonctionnent par cycles:
on peut le vérifier dans le cinéma, dans la littérature, dans la peinture et dans la bédé. Chaque système produit des trop-pleins qui alimentent un autre cycle. Par exemple, l'académisme a créé
des auteurs. Ce fut le cas dans le cinéma lorsque les réalisateurs des années 1970 ont rué dans les brancards des studios pour se proclamer indépendants. C'est le cas lorsque Jean Giraud arrête
Blueberry pour se transformer en Moebius et dessiner dans Métal hurlant. En bédé, après l'émergence des auteurs dans les années 1970-1980, on est passé à une production de
série. Actuellement, il y a de nouveau une réaction. Parfois, le dessin disparaît derrière une vision du monde ou une humeur, comme chez Sfar, Blain ou Trondheim. Mais toujours en cohérence
avec le propos.
Le dessin doit-il forcément s'adapter à
l'histoire ?
J. G.: Généralement, dans la chronologie du projet, l'histoire arrive avant le dessin. Donc je m'appuie sur elle. Mais chaque couple scénariste-dessinateur possède sa méthode. Le moment que je
préfère est celui où je dois imaginer et conceptualiser le découpage d'une planche: quel point de vue adopter, quelle valeur de plan choisir, quelle focale, quel angle...
M. L.: En bédé, c'est très simple: le scénariste s'occupe du fond; le dessinateur,
de la forme. L'oeuvre du scénariste est destinée à ne jamais apparaître en tant que réalisation artistique, alors que le dessinateur, lui, est responsable de ce à quoi le lecteur sera
directement sensible. Pour certains, il sera important de faire passer des informations. C'est le cas dans une enquête policière, par exemple. D'autres vont davantage travailler une émotion. Et
là on aborde une spécificité du dessinateur: sa capacité à étirer ou à raccourcir le temps. Traverser un lac en barque peut durer deux cases ou deux pages.
Y a-t-il, chez vous, une tendance à jouer la
performance formelle ?
J. G.: Je dois avouer que je suis assez pour. A la différence du cinéma, le vocabulaire utilisé par la bédé pour faire passer l'émotion et l'information est assez limité. Il n'y a pas de son,
pas de musique, pas d'acteurs... A nous de transcender ce manque. La spécificité du dessin de bédé se trouve dans la réinterprétation qu'il fait du réel. Au final, je dessine ce que je veux que
les gens voient.
M. L.: Contrairement au cinéma ou à la photo, qui doivent agencer des éléments de
réel, rien, dans le dessin, n'apparaît qui ne soit pas désiré par l'auteur. L'accident est lié à ses propres qualités et à ses propres défauts. Quand je me plante, je sais ce que je dois encore
travailler.
Un dessin doit-il se remarquer
?
J. G.: Si le lecteur s'arrête sur un dessin, cela veut dire que le récit coince. Je considère que c'est un échec.
Pardon de me faire votre avocat, mais
parfois on s'arrête sur l'un de vos dessins et l'on y prend du plaisir...
M. L.: Juanjo est un peu modeste.
J. G.: Je ne suis pas contre l'esthétisme. D'accord, on peut se régaler face à un
dessin. L'idéal serait pourtant qu'on glisse dessus. Mon caractère me pousse à aimer la précision. Mais cela tient aussi à la cohérence du projet. Blacksad n'est en rien réaliste,
puisque les personnages sont des animaux humanisés. Pour l'oublier, il ne faut pas hésiter à verser dans le détail. Rassurez-vous: j'aime beaucoup quand on me dit que le dessin est beau, même
si je continue de croire que le débit du récit doit rester fluide. De toute façon, une fois l'album terminé, le lecteur a toujours le loisir de revenir sur une case pour se rendre compte que le
gars s'est vraiment emmerdé à dessiner tel ou tel truc.
M. L.: Ça rejoint le débat «Quel dessin pour quel type de récit?». Bien sûr, je
suis d'abord au service de l'histoire que je raconte. Mais je suis aussi au service du courant artistique qui m'a amené là. Par ailleurs, le lecteur sera plus facilement immergé dans un récit
qui joue le dessin synthétique. Quand la volumétrie d'une case est importante, on séduit davantage, mais on complexifie le message. Il est plus facile de lire une aventure d'Adèle Blanc-Sec
[Tardi] ou du Chat du Rabbin [Joann Sfar] que de Blueberry. Lorsque Giraud multiplie les détails d'une scène de saloon, par exemple, il rend hommage à son métier et à l'amour qu'il en a. Je
crois que la qualité d'un dessinateur se mesure à la constance de son vocabulaire. Autre exemple: Hergé. Chez lui, il y a souvent une dramaturgie qui aboutit à un dessin spécifique et sur
lequel on va s'arrêter. Là, c'est formidable.
Comment se travaille un dessin
?
J. G.: Je fais beaucoup de croquis préparatoires. C'est d'ailleurs l'un de mes grands plaisirs que d'élaborer une première composition ratée sur laquelle je vais
retravailler.
Il est rassurant de savoir que vous en
ratez...
J. G.: A l'occasion des dédicaces, je dessine des personnages que j'ai réalisés mille fois. Donc, évidemment, cela paraît facile. Mais, lorsque l'on s'attelle à un album, il faut faire ses
gammes, comme un pianiste: se mettre devant la planche, imaginer le nombre de cases, trouver le bon dessin pour la bonne composition. Si les deux ne se marient pas, il faut recommencer et
chercher une autre idée. C'est parfois douloureux. Mais cet artisanat du travail me fascine: approfondir, s'imprégner, donner un sens et traduire une émotion par ses propres
moyens...
